Discorsi veri: fare liste di fine anno è ingiusto, se non addirittura crudele. Trattiamo l’anno come 11 mesi. Facciamo finta di aver sentito tutta o la maggior parte della musica degna di nota che è uscita nel corso dell’anno, anche con l’attuale numero di opzioni di consegna della musica e il declino di fonti affidabili di cura. Ci comportiamo come se l’opinione di una persona è la fredda e dura verità quando è costruita su capricci, sentimenti intestinali e preferenze personali.
Nel 2018 fare una lista è stato particolarmente sentito come un esercizio per lasciare fuori la grande musica. C’è il mondo della musica incredibile che ho ascoltato, e la no-doubt vasta distesa di musica incredibile che non ho sentito. Per intenderci: i miei album indie pop numero 1 del 2017, 2016 e 2015 sono stati scelti da artisti – gli Ocean Party, Frankie Cosmos e Advance Base – che nel 2018 hanno pubblicato album buoni quanto quelli, almeno, ma stavolta non li ho scelti io.
Lo stesso vale per una miriade di altri artisti che ho celebrato nelle precedenti liste che quest’anno hanno pubblicato nuovi album fantastici, anche avventurosi: Di Montreal, Nicholas Krgovich, Pete Astor, Club 8, Fred Thomas, Jonathan Richman, Math e Physics Club, certamente altri. Fare liste è illogico. Ciò che si sente come celebrazione è anche l’esclusione, necessariamente.
Quello che c’è qui, nel mio 13° tentativo annuale di mostrare e definire (o evitare di definire) l’indie pop, attraverso la celebrazione e l’esclusione, sono atti nuovi di zecca, atti abbastanza nuovi, e uno o due dei preferiti di lunga data. Tutti questi album si sentono allo stesso tempo nuovi di zecca e familiari. Anche se un po’ di idee musicali, la maggior parte scivola sull’eterna potenza di una melodia consegnata con grazia e brio. C’è molta luminosità, ma anche il disordine di essere vivi nel 2018.
10. The Spook School – Could It Be Different? (Slumberland/Alcopop!)
Il terzo album di Edimburgo, Scotland’s the Spook School si sente particolarmente vicino al momento per un genere che spesso si sofferma sulle emozioni universali. Le canzoni dei sopravvissuti pompati e gli inni anti-egemonia suonano potenti e veri in questo momento, specialmente se consegnati con tanta sicurezza e tenerezza, e con tanti ganci accattivanti. Il sentimento di metà album “è stato un brutto anno” sta per colpire la maggior parte dei loro ascoltatori dove si trovano. Trovo l’album super fiducioso per la sua mancanza di vuoto ottimismo; le cose fanno schifo, la speranza sta nello sforzo.
9. Tres Oui – Poised to Flourish (Shrimper)
Poised to FlourishPoised to Flourish è l’avvincente album di debutto del gruppo pop-rock uptempo texano Austin, Tres Oui, che si è evoluto dalla letteratura preferita del passato. Hanno chitarre di una certa tendenza al jangly, melodie attraenti, un tono nel complesso grazioso ma dolce-amare, e un senso dell’umorismo. C’è una canzone che parla di tenere una seduta per parlare con gli amici che ti mancano, una con la memorabile immagine di “Red Wine & Dry Ice”, e canzoni multiple che mantengono una sensazione di nostalgia all’interno di una canzone che salta musicalmente insieme alla gioia. C’è una dream-pop band che si nasconde da qualche parte all’interno di Tres Oui, e altri sottogeneri “alternativi” degli anni ’80, ma la musica è molto presente nel momento attuale (non retrò).
8. Say Sue Me – Where We Were Together (Damnably)
Un altro punto di forza del 2018 è stato “scoprire” Say Sue Sue Me, una band indie-pop semplice ma sempre divertente e gratificante proveniente da Busan, Corea del Sud. Cioè, se la vostra idea di divertimento include lo spazio per la tristezza e l’oscurità. Il loro secondo album Where We Were Together inizia come una bella imitazione degli stili indie-pop di fine anni ’80 e inizio anni ’90, molto aggancio in avanti ma con una certa sognanza nella voce. Mentre l’album procede, si inclinano in direzioni più rumorose, verso Ramones-ish surf-punk, garage rock e full on shoegaze.
7. Massage – Oh Boy (Tearjerk)
Uno degli album di debutto più rinfrescante ed emozionante dell’anno è stato realizzato da Massage, cinque amici di Los Angeles, tra cui il membro originale Pains of Being Pure at Heart Alex Naidus e il giornalista Andrew Romano. Il loro suono è classicamente indie-pop (in una Flying Nun, un po’ jangle-pop direction), ma con il loro stile. Quello che fanno così bene è pop/rock aerodinamico con un’aria casual/intime – grandi melodie, un’atmosfera amichevole, la capacità di cavalcare un groove complessivamente piacevole che non si vuole mai finire, e di tanto in tanto poi sciopero e nervo emotivo o melodioso che porta la canzone al livello successivo.
6. The Beths – Future Me Hates Me (Carpark)
In un certo senso, il punchy, pop-rock neozelandese dei Beths, molto anni ’90, potrebbe essere una delle musiche dal suono più familiare di questa lista. Ma che suono, specialmente se guidati da melodie così killer e da un songwriting senza soluzione di continuità e orientato al dettaglio. Queste sono alcune delle migliori canzoni singalong dell’anno, e che sentimenti gloriosamente oscuri ma teneri che stiamo cantando! La cantante Elizabeth Stokes dà voce al dubbio su se stessa in un modo che ci mette proprio lì con lei, per ogni postumi di sbornia e strazio, per ogni stravagante pensiero di suicidio. Le canzoni spingono senza fiato, esplodendo alla fine dell’album.
5. Clay Hips – Happily Ever After (Annika)
Happily Ever After offre uno splendido e cupo pop orchestrale per lo stato d’animo autunno/inverno, per gentile concessione di un duo ‘nuovo’ che sta lavorando a questo primo album da un buon decennio. Andrew Leavitt e Kenji Kitahama (aka Brent Kenji) non dovrebbero essere nomi nuovi per i fan indie-pop – il loro gruppo The Fairways ha pubblicato numerosi dischi di daydream-pop alla fine degli anni ’90 / inizio ’00s; e da allora ci sono state band affini come The Young Tradition e Friedrich Sunlight. Il debutto di Clay Hips è un’esplorazione così bella della ricerca del sogno, anche quando questi sogni inevitabilmente non si realizzeranno. La disillusione romantica, l’inevitabilità del fallimento – argomento perfetto per la musica pop agrodolce ma in qualche modo promettente. All’interno di quella zona c’è più varietà stilistica di quanto ci si aspetterebbe a prima vista – l’atmosfera di Simon & Garfunkel/early Belle & Sebastian a volte diventa più rustica, più Tin Pan Alley, più folk britannico che “indie” di oggi. Il titolo finale “Gone Too Fast” annuisce verso ciò che l’ascoltatore potrebbe provare riguardo all’album, mentre riassume l’atmosfera generale di magia che appare e scompare.
4. The Goon Sax – We’re Not Talking (Chapter)
Con il loro secondo album i Goon Sax si tuffano di nuovo giovanissimi in quel tipo di classico indie-pop degli anni ’80 e ’90 che gli appassionati di musica e i collezionisti hanno a cuore, amati come “la loro musica”. Questo duo australiano ha tutti i margini magici e ruvidi che generano quel senso di appartenenza e di comunità; stanno seguendo un percorso un po’ logoro, ma scrivendo canzoni ed eseguendole con quella sorta di energia e precisione deformata che rende le somiglianze con il passato non irrilevanti, ma non un problema. Il passato potrebbe essere inseparabile dal loro fascino, ma in un modo che non toglie nulla a canzoni come “Make Time 4 Love”, “Losing Myself” e “We Can’t Win” che ti incontrano nella tua vita quotidiana e ti incantano.
3. Let’s Eat Grandma – I’m All Ears (Transgressive)
I’m All Ears è l’eccezione in questa lista. Più degli altri, il duo britannico Let’s Eat Grandma (il loro nome è uno scherzo grammaticale) è interessato a giocare con elementi della musica pop mainstream attuale, fino a diventare sperimentale con il genere-mixing – synthpop stile anni ’80 che si scontra con il disordine e il rumore ritmico, con trip-hop intergalattico e un po’ di New Age che si dilettano da qualche parte nel mix. Questa è l’indipendenza nel senso dell’indipendenza nel senso del “blaze-your-your-own-path”, ed eccitante per lui. C’è uno strumentale di 38 secondi su una chiamata persa (a sua volta quasi suoneria), alcuni superbi inni intonati (“It’s Not Just Me”), e si conclude con un ramble/synth-jam di 11 minuti che prende il nome dal film “Donnie Darko”. Surrealismo, sciocchezze, dichiarazioni d’amore, inni stand-up-for-yourself, si confondono tutti insieme nelle loro mani.
2. Boys – Rest in Peace (PNKSLM)
Nora Karlsson, alias Boys, ha sede a Stoccolma; il suo album di debutto ha tutte le caratteristiche della prossima grande incarnazione della tradizione svedese del synthpop fai da te. Le otto canzoni di Rest in Peace hanno una presenza cinematografica, il giusto mix di tristezza e romanticismo, un canto tenero e meraviglioso, e la corsa dei grandi singoli pop, il tipo che mi piacerebbe sentire emergere da un jukebox in un bar, incontrare le onde radio inaspettatamente, o, fondamentalmente, uscire dalle ombre e suonare ad alta voce in qualsiasi momento della mia vita quotidiana. Facciamo in modo che questa sia la colonna sonora della vita, vero?
1. Dear Nora – Skulls Example (Orindal)
Nel 2001, ho recensito l’album di debutto di Dear Nora We’ll Have a Time¸ scrivendo che la principale preoccupazione del gruppo era “produrre le melodie più accattivanti e supportarle con voci piuttosto armoniche e qualche semplice strimpellata di chitarra”. Lasciandomi a grattarmi la testa, dopo quell’album Katy Davidson portò il progetto in una direzione diversa – verso la natura selvaggia. Il secondo e terzo album di Dear Nora, Mountain Rock del 2004 e There Is No Home del 2006, aveva grandi melodie, ma sembrava anche lottare intenzionalmente contro l’idea di “melodie per sintonie”, rinunciando a semplici piaceri per sfidare domande e osservazioni metafisiche e ambientali, attraverso una giocosa lente psichedelico-naturalista.
Ora, 12 anni dopo, arriva la miscela perfetta di tutte queste inclinazioni e ispirazioni. Skulls Example prende ogni grande cosa di ogni precedente disco di Dear Nora, contraddizioni e incertezze e tutto, e li incanala in qualcosa di nuovo, un’opera che si sente così rilevante per il nostro tempo ma senza tempo nelle sue preoccupazioni. E, invece di abbandonare il pop tunefulness, lo sta trasformando in una nuova, deliziosa direzione. Il suo lavoro più ludico di genere, ha ampie intuizioni e domande da offrire sulla nostra attuale epoca confusa e dove potrebbe inserirsi nella grande distesa di tempo e spazio. Skulls Example è anche melodico e carino e….tutte le cose.